القصة

مايكل أنجلو

مايكل أنجلو



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

كان مايكل أنجلو (1475-1564 م) فنانًا ومهندسًا وشاعرًا إيطاليًا ، ويُعد أحد أعظم الشخصيات وأكثرها تأثيرًا في عصر النهضة. تشمل أكثر أعماله شهرة ، من مجموعة رائعة من الروائع ، سقف كنيسة سيستين في روما والتمثال الرخامي العملاق لديفيد ، الموجود في جاليريا ديل أكاديميا في فلورنسا.

كان مايكل أنجلو ، الذي يحظى بتقدير معاصريه كأعظم الفنانين الأحياء ، مؤثرًا بشكل كبير على الأساليب الفنية لعصر النهضة العالي ، والتألق ، والباروك. لا تزال أعمال الرجل العظيم حتى يومنا هذا تنتزع من عشاق الفن في جميع أنحاء العالم المشاعر التي كان ينوي صراحة إنتاجها في كل فنه بغض النظر عن الوسيلة: الإعجاب بالشكل والحركة ، والمفاجأة والرهبة.

وقت مبكر من الحياة

ولد مايكل أنجلو دي لودوفيكو بوناروتي عام 1475 م في كابريزي ، وهي بلدة صغيرة بالقرب من فلورنسا بإيطاليا. على عكس العديد من الفنانين المشهورين الآخرين ، ولد مايكل أنجلو في عائلة مزدهرة. عندما بلغ من العمر 13 عامًا ، تم إرساله للدراسة في فلورنسا تحت الرسام الشهير دومينيكو غيرلاندايو (1449-1494 م). قضى الفنان الشاب عامين كمتدرب مع غيرلاندايو ، لكنه زار أيضًا العديد من الكنائس في المدينة ، ودرس أعمالهم الفنية ورسموا اسكتشات. جاءت استراحة مايكل أنجلو الكبيرة عندما لاحظ لورينزو دي ميديشي (1449-1492 م) عمله ، رئيس عائلة فلورنتين العظيمة بهذا الاسم وراعي الفنون السخي. كان الفنان الشاب قادرًا على دراسة أعمال النحاتين العظام في العصور القديمة في حديقة لورينزو الرائعة للنحت ، وخاصة التوابيت الرومانية المزينة بنقش بارز ، والتعلم من أمين الحديقة الفني والنحات الشهير بيرتولدو دي جيوفاني (حوالي 1420) - 1491 م). قام مايكل أنجلو لاحقًا بإنشاء قبر لورينزو دي ميديشي الرخامي في كنيسة عائلة ميديشي في سان لورينزو في فلورنسا.

سعى مايكل أنجلو إلى خلق عالم أجمل مما كان عليه في الواقع.

إن تأثير هذه الأعمال الكلاسيكية على مايكل أنجلو واضح في الأشكال المتلألئة في واحدة من أولى روائعه العظيمة ، وهي منحوتة الإغاثة المعروفة باسم معركة القنطور ولابيث والذي يتم عرضه الآن في Casa Buonarroti في فلورنسا. إن انشغال الفنان بالعصور القديمة في النصف الأول من حياته المهنية يتجلى بوضوح في عمله ولكن أيضًا في محاولاته العديدة المتعمدة لتمرير المنحوتات على أنها قديمة بالفعل. في عام 1496 م ، على سبيل المثال ، قام بنحت النوم كيوبيد (ضاع الآن) والذي تقدم في العمر عن قصد ليجعله يبدو عملاً قديمًا أصيلًا والذي باعه بنجاح إلى الكاردينال رافاييل رياريو.

كان مايكل أنجلو ، إذن ، يركز بالفعل على التقنية المعروفة باسم disegno حيث ركز الفنان قبل كل شيء في محاولة التقاط شكل الجسم البشري وعضلاته وأوضاعه من خلال رسومات تخطيطية على ورق من الأعمال الكلاسيكية التي تحولت بعد ذلك إلى منحوتة أو لوحة جديدة تمامًا. أضاف مايكل أنجلو أيضًا إلى هذا التراث الفني شغفًا بتقديم شخصياته بأوضاع درامية والقيام بذلك على نطاق هائل ، وهو ما ربما يفسر تفضيله للنحت على الوسائط الأخرى. سيصبح الجمع بين التنفيذ الواقعي والعظمة والديناميكية السمة المميزة لأعمال السيد في جميع الوسائط حيث سعى لخلق عالم أكثر جمالًا مما هو موجود بالفعل في الواقع.

تاريخ الحب؟

اشترك في النشرة الإخبارية الأسبوعية المجانية عبر البريد الإلكتروني!

تحدثت أعمال مايكل أنجلو العظيمة عن نفسها ، ويمكن لأولئك الذين لم يتمكنوا من رؤيتها شخصيًا الإعجاب بها أو دراستها في العديد من النقوش التي تم إجراؤها.

فنان عصر النهضة الرائد

في عام 1496 م ، انتقل مايكل أنجلو إلى روما مما منحه المزيد من الفرص لدراسة أمثلة من الفن والعمارة الكلاسيكية. في هذه الفترة ، ابتكر تحفة أخرى ، هي بيتا (انظر أدناه). العودة إلى فلورنسا ج. 1500 م ، أصبح الفنان الآن راسخًا وتم تكليفه بإنشاء شخصية لا تقل عن مكان كاتدرائية فلورنسا. حصل مايكل أنجلو على كتلة ضخمة من رخام كرارا عالي القيمة لم يكن أحد يعرف تمامًا ما يجب فعله. وكانت النتيجة تحفة فنية أخرى ، ربما كانت أشهر منحوتة للفنان على الإطلاق: ديفيد (انظر أدناه). بعد ذلك كان رئيس الطهاة يستخدم الدهانات ، مما يدل على أن مايكل أنجلو لم يقتصر بأي حال من الأحوال على النحت. العائلة المقدسة تم رسمه في عام 1503 م وهو الآن في معرض أوفيزي في فلورنسا. جاء بعد ذلك اجتماع مثير للعقول العظيمة عندما عمل كل من مايكل أنجلو وليوناردو دافنشي (1452-1519 م) على اللوحات الجدارية في قاعة مجلس فلورنسا. كان موضوع عمل مايكل أنجلو هو معركة كاسينا ، لكن ، مثل جهود ليوناردو هنا ، تُركت غير مكتملة. يمكن فقط التكهن بما قد يكون كل فنان عظيم قد تعلمه من الآخر في هذا الوقت.

عاد مايكل أنجلو إلى روما ليعمل في قبر البابا يوليوس الثاني (1503-1513 م) ، ومن ثم تم تكليفه بأكبر قدر من التحدي - لطلاء سقف كنيسة سيستين في مدينة الفاتيكان (انظر أدناه). على الرغم من العمل بمفرده إلى حد كبير وفي كثير من الأحيان في وضع غير مريح أعلى سقالة ، تم الانتهاء من السقف بسرعة ملحوظة. انتهى العمل بحلول عام 1512 م ، وقد لا يُرضي كل فرد في الكنيسة ، لكن رؤيته المركزية عن الله بين السحاب التي تمد يدها لتلمس إصبع آدم أصبحت واحدة من أكثر الصور استنساخًا في كل العصور.

سيستمر مايكل أنجلو في النحت ، وفي حالات نادرة جدًا ، يرسم لبقية حياته. استمر في كتابة السوناتات التي نالت إعجابًا كبيرًا والتي كرست في كثير من الأحيان للشاعرة فيتوريا كولونا (1490-1547 م) ، على الرغم من أن العديد منها كانت مكتوبة على ظهور الرسومات والفواتير. في هذا المثال، 151 (1538-1544 م) ، قارن الفنان فشل الفن في منع الموت بالبحث عن الحب الحقيقي:

حتى أفضل الفنانين ليس لديهم أي تصور

التي لا تحتويها كتلة رخامية واحدة

في فائضها ، وهذا لا يتحقق إلا

الألم الذي أهرب منه والفرح الذي أتمناه

مختبئة بالمثل فيك أيتها السيدة المحبوبة ،

نبيل وإلهي. ولكن لضرري المميت ،

يعطي فني النتائج عكس ما أتمناه.

لذلك لا يمكن لوم الحب على ألمي ،

ولا جمالك ولا قساوتك ولا ازدرائك ،

ولا حظ ولا مصيري ولا صدفة

إذا كنت تحمل الموت والرحمة في قلبك

في نفس الوقت ، وذكائي الوضيع ، على الرغم من الحرق ،

لا يستطيع أن يستخلص منها إلا الموت.

(باوليتي ، 404)

كان هناك أيضًا العديد من المشاريع المعمارية المهمة ، مثل مكتبة Laurentian ، سان لورينزو ، فلورنسا (1525 م) بغرفة القراءة الطويلة التي يبلغ طولها 46 مترًا (150 قدمًا) ، وهي مزيج رائع من الجمال والوظيفة. تضمنت المشاريع الأخرى مبنى Capitoline Hill الجديد في روما (الذي بدأ عام 1544 م) ، والقبة المرتفعة لكاتدرائية القديس بطرس في روما (من 1547 م ولكن لم تكتمل حتى عام 1590 م) والتي رفض مايكل أنجلو قبول راتب لها ، و كنيسة ميديشي القبرية في فلورنسا. من المناسب ، طوال القرن السادس عشر الميلادي ، أصبحت كنيسة ميديشي مكانًا يزوره كثيرًا الفنانون الطموحون الذين جاؤوا للإعجاب والتعلم من هذا المزيج الفريد والرؤيوي للفنون بين العمارة والنحت. توفي مايكل أنجلو في 18 فبراير 1564 م في روما ودفن مع الكثير من المراسم في بازيليك سانتا كروس في فلورنسا.

السمعة والتراث

تم التقاط الفنان العظيم نفسه في العديد من الأعمال الفنية الباقية. أحد الأمثلة اللافتة للنظر هو التمثال البرونزي الذي قام به مواطنه دانييل دا فولتيرا (1509-1566 م) ، والذي أنشأ ج. 1564 م ، يقيم الآن في بارجيلو في فلورنسا. التمثال واقعي ويظهر مايكل أنجلو الملتحي مع تجاعيد كثيرة وبأنف مسطح قليلاً كان يحمله منذ أن كسره الفنان بيترو توريجيانو (1472-1528 م) عندما كانا شابين (تم نفي توريجيانو من فلورنسا نتيجة لذلك. ).

يوجد سجل أكثر تفصيلاً لمايكل أنجلو في سيرة ذاتية كتبها جورجيو فاساري (1511-1574 م) وأسكانيو كونديفي (1525-1574 م) خلال حياة الفنان. أكمل الفنان التوسكاني فاساري عمله حياة أميز المهندسين المعماريين والرسامين والنحاتين الإيطاليين في عام 1550 م ولكن بعد ذلك تمت مراجعة العمل وتوسيعه على نطاق واسع في عام 1568 م. يعد التاريخ سجلًا هائلاً لفناني عصر النهضة وأعمالهم والقصص القصصية المرتبطة بهم ، ولذا يعتبر فاساري أحد رواد تاريخ الفن. في غضون ذلك ، كان زميله الفنان الإيطالي كونديفي تلميذًا لمايكل أنجلو في روما ، وقد كتب رسالته حياة مايكل أنجلو عام 1553 م ، عمل أشرف عليه المعلم العظيم نفسه (والذي ربما يفسر عددًا من العناصر الوهمية أو المبالغ فيها).

ساعدت هاتان السيرتان في ترسيخ سمعة مايكل أنجلو كأسطورة حية حيث أدرك زملائه الفنانين عبقريته ومساهمته في إحياء الفن خلال عصر النهضة. بطبيعة الحال ، تتحدث أعمال مايكل أنجلو العظيمة عن نفسها ، ويمكن لأولئك الذين لم يتمكنوا من رؤيتها شخصيًا الإعجاب بها أو دراستها في العديد من النقوش التي تم إجراؤها والتي تم توزيعها في جميع أنحاء أوروبا. كما تجاوزت شهرته أوروبا. سمع سلطان الدولة العثمانية بايزيد الثاني (1481-1512م) عن مهارات الفنان ودعاه ، ولكن دون جدوى ، إلى بلاطه. تم جمع أعمال مايكل أنجلو ، خاصة في فرنسا. باختصار ، لم يكن مايكل أنجلو يعتبر أقل من إلهي - وهو مصطلح يستخدم كثيرًا للفنان خلال حياته - وممتلكًا لقوة فنية رائعة ، كما أطلق عليه معاصروه terribilità. استمر الضوء الذي ألقاه الرجل العظيم على الفن والعمارة الغربية في التألق بعد فترة طويلة من وفاته وكان عمله مؤثرًا بشكل خاص على تطوير Mannerism وأسلوب الباروك اللاحق.

روائع

بيتا

ال بيتا هو رسم بالرخام للسيدة العذراء مريم التي تئن على جسد يسوع المسيح الذي يقع على حجرها. تم الانتهاء من العمل بين عامي 1497 و 1500 م ، وتم تكليفه من قبل كاردينال فرنسي لقبره في كنيسة صغيرة في روما. يبلغ ارتفاعه 1.74 مترًا (5 أقدام و 8 بوصات) ، ويقيم الآن في كاتدرائية القديس بطرس. يجمع العمل بين جميع جوانب فن النحات: تصوير واقعي للغاية لجسم الإنسان ، وثنيات معقدة من الأقمشة ، ووجه مريم الهادئ والتأملي ، وجثة يسوع الضعيفة ، وتكوين يذكر بالتماثيل التعبدية الشمالية ولكنه يقدم شيء لم يسبق له مثيل في الفن الإيطالي. يتضح أن مايكل أنجلو كان راضيًا للغاية عن النتيجة في الحكاية التي أضافها لاحقًا لتوقيعه بعد أن ادعى فنان منافس أنه كان منشئها.

ديفيد

كما ذكرنا سابقًا ، كان عرض مايكل أنجلو لكاتدرائية فلورنسا تمثالًا رخاميًا للملك التوراتي ديفيد ، الذي اشتهر في شبابه بقتله العملاق المزعج جالوت. الشكل أكبر بكثير من الحجم الطبيعي - يبلغ ارتفاعه حوالي 5.20 مترًا (17 قدمًا) - وهو كبير جدًا بحيث لا يمكن وضعه على سطح الكاتدرائية كما هو مخطط له ، ولكنه تم وضعه بدلاً من ذلك في المربع المواجه. تلقى مايكل أنجلو حوالي 400 فلورين مقابل عمل بدأه عام 1501 م واكتمل عام 1504 م. يقف David الآن في معرض Accademia في فلورنسا بينما تقف نسخة طبق الأصل بالحجم الكامل في الهواء الطلق في Palazzo della Signoria.

الشكل كله أبيض الآن ولكن في الأصل كان يحتوي على ثلاثة عناصر مذهبة: دعامة جذع الشجرة ، وحزام خصر من الأوراق ، وإكليل على رأسه. التعريف الوحيد الذي يشير إلى أن هذا هو شخصية ديفيد هو القاذفة على الكتف الأيسر للشخصية. علاوة على ذلك ، فإن نضج الجسد لما ينبغي حقًا أن يكون شابًا ، جنبًا إلى جنب مع عري الشكل ، يذكر بقوة التماثيل الضخمة من العصور القديمة ، وخاصة هرقل. لا يمكن أن يكون من قبيل الصدفة ظهور هرقل أيضًا على الختم الرسمي لمدينة فلورنسا. هنا ، إذن ، كانت رسالة في الفن مفادها أن المدينة تؤمن بنفسها على قدم المساواة ، وربما حتى الأفضل من أي مدينة في العصور القديمة. من الواضح أن مايكل أنجلو قد تجاوز قيود النحت الكلاسيكي وخلق شخصية متوترة بشكل واضح ، وهو تأثير يبرز فقط من خلال جبين ديفيد المجعد والتحديق الحازم.

كنيسة سيستين

كما لوحظ ، تم تكليف مايكل أنجلو برسم سقف كنيسة سيستين ، وهو مبنى تم الانتهاء منه للتو في عام 1480 م. تصدع السقف بشكل سيئ في عام 1504 م وتم ترميمه. كانت هذه ، إذن ، فرصة للإضافة إلى الديكور الداخلي الرائع بالفعل للكنيسة. كان مايكل أنجلو بعيدًا عن الاهتمام بالمشروع الذي سيشغله من 1508 إلى 1512 م - وكانت هناك خلافات متكررة مع البابا - لكنه يعتبر اليوم أحد أعماله المميزة. تم رسم اللوحات الجدارية بألوان زاهية للغاية ولمساعدة المشاهد الذي يجب أن يقف على بعد بضعة أمتار من الأسفل ، استخدم مايكل أنجلو تقنية تباين الألوان بجانب بعضها البعض.

يغطي السقف بأكمله مساحة 39 × 13.7 مترًا (128 × 45 قدمًا). تُظهر اللوحات المنفصلة سلسلة من الحلقات من الكتاب المقدس تروي الخلق إلى زمن نوح. ومن المثير للاهتمام ، أن إنشاء حواء هو اللوحة المركزية ، وليس خلق آدم ، على الرغم من أن هذا قد يكون ببساطة لأن المشاهد هي ترتيب زمني يبدأ من جدار المذبح. هناك أيضًا سبعة أنبياء وخمسة عرافات وأربعة ignudi التي ليس لها أي علاقة على الإطلاق بالسرد الديني ولكنها تُظهر حب مايكل أنجلو للشخصيات التي يتم تقديمها بجرأة في المواقف الدرامية.

حقق العمل نجاحًا فوريًا مع كل من شاهده تقريبًا ولكن كان هناك بعض الاستياء من الاستياء. كان الاعتراض الرئيسي هو مقدار العري وتصوير الأعضاء التناسلية في حفنة من الشخصيات. بالإضافة الى، الدينونة الأخيرة قسم من الكنيسة ، الذي أضافه مايكل أنجلو إلى المذبح في وقت لاحق بين 1536 و 1541 م ، لم يلق قبولًا جيدًا من قبل بعض رجال الدين. كانت حقيقة أن يسوع لم تكن له لحيته التقليدية وبدا أصغر قليلاً من المعتاد من نقاط الخلاف الخاصة. إن فهم الفنان للاهوت الأساسي ، أو ربما عدم اهتمامه به لأنه كان معروفًا بتقواه ، وظهور المزيد من الأعضاء التناسلية أدى ببعض رجال الدين إلى حد إعلان العمل بدعة. كانت هناك حتى دعوات لتدميرها. لحسن الحظ للأجيال القادمة ، تم تبني الإستراتيجية الأكثر اعتدالًا لتغطية العناصر العارية المخالفة. تم تكليف دانييل دا فولتيرا بمهمة إعادة لمس اللوحات الجدارية ، وبالتالي اكتسب هذا الفنان لقبًا مؤسفًا إلى حد ما. ايل براغيتون أو "صانع المؤخرات".

موسى

كما ذكرنا ، كلف يوليوس الثاني مايكل أنجلو عام 1505 م بتصميم قبر مهيب لزعيم الكنيسة الرومانية. بدأ القبر على الورق كنصب تذكاري فخم ، وتم الانتهاء منه أخيرًا في عام 1547 م بعد التخلي عن العديد من الإسراف المخطط له. أحد الناجين هو تمثال جالس لموسى نحته مايكل أنجلو الذي يحمل شخصية توراتية تحمل عصاه ويسحب لحية طويلة بشكل مثير للإعجاب ، على ما يبدو لإظهار خوفه من الله. كان من المفترض أن يُرى التمثال من الأسفل ، ومن ثم قام مايكل أنجلو بدمج العديد من التصحيحات البصرية. تم الانتهاء من هذا التمثال ، الذي يبلغ ارتفاعه 2.35 مترًا (7 أقدام و 9 بوصات) ، حوالي عام 1520 م ويقيم في كنيسة سان بيترو في فينكولي في روما.


معركة القنطور (مايكل أنجلو)

معركة القنطور هو ارتياح من قبل فنان عصر النهضة الإيطالي مايكل أنجلو ، تم إنشاؤه حوالي عام 1492. كان هذا آخر عمل أنشأه مايكل أنجلو تحت رعاية لورنزو دي ميديشي ، الذي توفي بعد وقت قصير من اكتماله. مستوحى من الارتياح الكلاسيكي الذي أنشأه بيرتولدو دي جيوفاني ، يصور التمثال الرخامي المعركة الأسطورية بين Lapiths و Centaurs. موضوع مشهور للفن في اليونان القديمة ، تم اقتراح القصة على مايكل أنجلو من قبل الباحث والشاعر الكلاسيكي بوليزيانو. يتم عرض التمثال في كازا بوناروتي في فلورنسا بإيطاليا.

معركة القنطور
فنانمايكل أنجلو
عامج. 1492
نوعرخام
أبعاد84.5 سم × 90.5 سم (33.3 × 35.6 بوصة)
موقعكاسا بوناروتي

معركة القنطور كان تمثالًا رائعًا بعدة طرق ، مما يبشر بالاتجاه النحتي المستقبلي لمايكل أنجلو. كان مايكل أنجلو قد ابتعد عن الممارسات الحالية في ذلك الوقت للعمل على طائرة منفصلة للعمل متعدد الأبعاد. كان أيضًا أول منحوتة صنعها مايكل أنجلو دون استخدام مثقاب القوس وأول منحوتة تصل إلى هذه الحالة من الاكتمال مع ترك علامات إزميل subbia للوقوف كسطح نهائي. سواء تُركت عمداً غير مكتملة أم لا ، فإن العمل مهم في تقليد تقنية النحت "غير المنتهية" لهذا السبب. اعتبره مايكل أنجلو أفضل أعماله المبكرة ، وتذكيرًا مرئيًا لماذا كان يجب أن يركز جهوده على النحت.


مايكل أنجلو - التاريخ

ديفيد هي واحدة من أروع منحوتات عصر النهضة التي تم صنعها خلال أوائل القرن السادس عشر. تم إنشاء هذا العمل الفني الشهير بواسطة مايكل أنجلو ، فنان إيطالي مشهور. يبلغ ارتفاع التمثال 5.17 مترًا ، وهو عبارة عن تمثال رخامي لبطل الكتاب المقدس المسمى ديفيد. كان هذا الشاب أيضًا الموضوع الأكثر شيوعًا في فن عصر النهضة ، لا سيما في فلورنسا.

يسلط الضوء

كان النحت في الأصل من بين تماثيل الأنبياء التي تم وضعها على خط سقف القسم الشرقي من فلورنسا. علاوة على ذلك ، تم وضعه في الساحة العامة في Palazzo della Signoria ، الذي كان مركز الحكومة المدنية في فلورنسا. بسبب الطبيعة الشجاعة لهذا البطل التوراتي ، فقد أصبح في النهاية رمزًا للدفاع عن الحريات المدنية المصوَّرة في جمهورية فلورنسا.

يختلف العمل الفني كثيرًا عن التماثيل السابقة التي صنعها فنانين مشهورين آخرين مثل Verrocchio و Donatello. ديفيد بقلم مايكل أنجلو يصور ديفيد الشاب قبل أن يخوض معركته مع جليات العظيم. ومن ثم ، بدا وجه الرقم & # 8217s متوترًا ومستعدًا للقتال بدلاً من الانتصار بسبب هزيمة خصمه # 8217.

سمات

عمل مايكل أنجلو & # 8217s هو تفسيره للموضوع اليوناني القديم النموذجي لشخصية توراتية بطولية. يتميز بوضعية كونتباسستو ، وهي جانب مميز من المنحوتات العتيقة. يقف ديفيد الشجاع بطريقة متوترة ، مع استرخاء إحدى ساقيه بينما تحمل الأخرى وزن الجسم الكلي. ومن ثم ، فإن هذا يجعل كتفيه ووركيه يرتاحان بزاوية معاكسة. علاوة على ذلك ، يستدير رأس David & # 8217s نحو يساره وهو يحمل قاذفة في ظهره. مع كل هذه الميزات ، يعتبر الكثير من الناس النحت كرمز لجمال الشباب وقوة الإنسان.

التمثال كبير جدًا أيضًا ، مقارنةً بفنانين ومعاصري # 8217 خلال تلك الحقبة. في الواقع ، يعتبر معظم علماء الفن التمثال معجزة ، حيث تمكن مايكل أنجلو من إعادة شخصية مشهورة ماتت بالفعل. على الرغم من وجود العديد من التماثيل الضخمة التي تم إنشاؤها في التاريخ ، ديفيد من قبل مايكل أنجلو ظلت واحدة من أرقى وأروع.

من المهم أيضًا ملاحظة أن بعض ملامح هذا التمثال بدت كبيرة جدًا ، خاصة اليدين والرأس. ومع ذلك ، قام الفنان بذلك عن قصد لأن التمثال كان من المقرر وضعه على خط سقف الكاتدرائية. وبالتالي ، كان بحاجة إلى إيجاد طريقة لإبراز أجزاء معينة من شأنها أن تجعلها مرئية عند عرضها من الأسفل.

تفاصيل اضافية

يبدو هذا الشكل نحيفًا إلى حد ما من الأمام إلى الخلف عند مقارنته بارتفاعه. وفقًا للعلماء ، قد يكون السبب في ذلك هو العمل المنجز على الكتلة حتى قبل أن يبدأ الفنان في نحتها. بالإضافة إلى ذلك ، كان التمثال يعتبر صورة سياسية قبل أن يقرر العمل عليه.

من الواضح أن ديفيد لطالما كان الصورة السياسية المفضلة في جميع أنحاء فلورنسا ، حيث تم تكليف العديد من الأعمال الفنية التي تصور البطل التوراتي في معظم المواقع المهمة في المدينة.

الحفظ والحفظ

في عام 1991 ، أصيب التمثال وقدم # 8217 بأضرار بالغة عندما قام رجل مختل بتحطيمه بمطرقة. بناءً على العينات التي تم جمعها من تلك الحادثة ، تمكن العلماء من اكتشاف أن الرخام تم الحصول عليه من محاجر Miseglia & # 8217s Fantiscritti ، التي كانت في أحد وديان Carrara & # 8217 الصغيرة. مع تدهور الرخام ، خضع التمثال لأول عملية تنظيف رئيسية ، من عام 2003 إلى عام 2004. بعد أربع سنوات ، كانت هناك خطط لعزل التمثال عن الاهتزازات التي يسببها السائحون وخطوات أقدام 8217 ، من أجل منع المزيد من أضرار أشد للرخام.

تم عمل نسخ عديدة من التمثال على مر السنين. على سبيل المثال ، يتم عرض قالب الجبس لهذا البطل التوراتي حاليًا في متحف فيكتوريا وألبرت. ومع ذلك ، يحتوي هذا التمثال على ورقة تين من الجبس ، والتي تم إنشاؤها عندما صدمت الملكة فيكتوريا بشأن التمثال وعري # 8217s. تم تعليق ورقة التين الجصية على الشكل باستخدام خطافين ، قبل أي زيارات ملكية.

في القرن العشرين ، أصبح النحت مصطلحًا مبدعًا لثقافة المدينة & # 8217. تم إعادة إنتاج التمثال أيضًا بشكل متكرر كما هو الحال في تقليد الألياف الزجاجية والجبس الرخامي ، والذي يرمز إلى أجواء من الصقل والثقافة في أماكن مختلفة مثل نماذج السكك الحديدية وكازينوهات القمار والمنتجعات الشاطئية. وبالتالي ، فإن العمل الفني هو بالفعل الأفضل في التاريخ بسبب حجمه الكبير وتفاصيله وميزاته المثيرة للاهتمام.


تراث وتأثير مايكل أنجلو

بالنسبة للأجيال القادمة ، ظل مايكل أنجلو دائمًا واحدًا من مجموعة صغيرة من الفنانين الأكثر تعاليًا ، الذين شعروا بالتعبير ، مثل ويليام شكسبير أو لودفيج فان بيتهوفن ، عن التجربة المأساوية للإنسانية بأكبر عمق ونطاق عالمي.

على عكس الشهرة الكبيرة لأعمال الفنان ، فإن تأثيرها البصري على الفن اللاحق محدود نسبيًا. لا يمكن تفسير ذلك بالتردد في تقليد فن لمجرد أنه بدا رائعًا جدًا ، بالنسبة لفنانين مثل رافائيل ، فقد تم اعتبارهم على نفس القدر من العظمة ولكن تم استخدامهم كمصادر بدرجة أكبر بكثير. قد يكون نوعًا معينًا من التعبير المرتبط بمايكل أنجلو ، ذو العظمة الكونية تقريبًا ، مثبطًا. يشمل التأثير المحدود لعمله حالات قليلة من الاعتماد الكلي تقريبًا ، والفنان الأكثر موهبة الذي عمل بهذه الطريقة هو دانييل دا فولتيرا. بخلاف ذلك ، تم التعامل مع مايكل أنجلو كنموذج لجوانب محددة ومحدودة من عمله. في القرن السابع عشر ، كان يُنظر إليه على أنه الأبرز في الرسم التشريحي ولكنه لم يحظ بالثناء بسبب العناصر الأوسع في فنه. بينما استخدم Mannerists الانضغاط المكاني الذي شوهد في عدد قليل من أعماله ، وفي وقت لاحق تشكل الأشكال السربنتينية لنحته فوز، استغل سيد القرن التاسع عشر أوغست رودان تأثير كتل الرخام غير المكتملة. ربما يُظهر بعض أساتذة الباروك في القرن السابع عشر أشمل إشارة إليه ، ولكن بطرق تم تحويلها لاستبعاد أي تشابه حرفي. إلى جانب جيان لورنزو بيرنيني ، قد يُظهر الرسام بيتر بول روبنز بشكل أفضل قابلية استخدام إبداعات مايكل أنجلو لفنان عظيم لاحق.


بدأ الخط الإيطالي في التخطيط لسفن جديدة في عام 1958. كان في الأصل أن تكون أكبر بقليل من SS ليوناردو دافنشي، الذي كان يجري بناؤه في ذلك الوقت ، لكن الطائرات النفاثة لم يكن لها تأثير ملحوظ على منطقة البحر الأبيض المتوسط ​​، ويبدو أن وجود زوج من الخيوط الفائقة الحقيقية مرغوب فيه ، سواء من وجهة نظر تجارية أو لتوفير فرص عمل للبحارة وعمال أحواض بناء السفن. تقرر أن تكون السفن الجديدة أكبر السفن التي تم بناؤها في إيطاليا منذ SS ريكس في عام 1932.

تقرر تقسيم أماكن الإقامة على متن السفن إلى ثلاث فئات. لسبب ما ، تقرر أيضًا أن طوابق الركاب الثلاثة الموجودة في الأسفل لن تحتوي على أي فتحات. وقد زُعم أن هذا جعل شكل بدن السفينة الأملس ، ولكن يبدو من غير المرجح أن يكون ذلك صحيحًا لأن السفن ذات نسبة الطول / العرض المماثلة قد تم بناؤها بنوافذ على طول الهيكل بأكمله. مهما كانت أوجه القصور في تصميمهم الأولي ، فقد تقدمت الأخوات الجديدات على الجانب التكنولوجي. الميزة الأكثر لفتًا للانتباه في السفن كانت مساراتها المصممة للفنون التطبيقية في تورين ، والتي تتكون من أنابيب معقدة تشبه التعريشة (بدلاً من السطح التقليدي المستوي) للسماح للرياح بالمرور عبر القمع ، وزعنفة كبيرة لمنحرف الدخان في الأعلى. . على الرغم من انتقاده ، فقد أثبت تصميم القمع أنه فعال للغاية في إبعاد الدخان عن الطوابق الخلفية. أصبحت عاكسات الدخان شائعة في تصميم السفن خلال السبعينيات والثمانينيات ، في حين تم التقاط فكرة السماح للرياح بالمرور عبر القمع مرة أخرى في أواخر الثمانينيات وهي القاعدة تقريبًا في بناء السفن الحديث.

ال مايكل أنجلو تم تصميم الديكورات الداخلية من قبل المهندسين المعماريين البحريين Nino Zoncada و Vincenzo Monaco و Amedeo Luccichenti ، الذين أعطوا السفينة مظهرًا أقل ميلًا إلى المغامرة وأكثر تقليدية من مصممي أختها رافايللو.

بعد عدة تأخيرات مايكل أنجلو، تحت قيادة القبطان الكبير ماريو كريباز ، كان جاهزًا أخيرًا للخدمة في مايو 1965. أثناء التجارب البحرية ، تم اكتشاف بعض الاهتزازات في مؤخرة السفينة. مايكل أنجلو في ديسمبر 1965 وحصلت على مراوح جديدة وبعض التعديلات على ناقل الحركة. سجلت 31.59 عقدة خلال تجارب ما بعد التجديد ، مما يجعلها خامس أسرع سفينة ركاب في العالم في ذلك الوقت.

في صباح يوم الثلاثاء 12 أبريل 1966 بعد خمسة أيام من مغادرتها جنوة ، مايكل أنجلو، تحت قيادة الكابتن الكبير جوزيبي سوليتي ، تعرضت لموجة كبيرة بشكل غير عادي خلال عاصفة في وسط المحيط الأطلسي ، تسببت في انهيار الجزء الأمامي من بنيتها الفوقية ، أو دفعها إلى الوراء ، وقتل الركاب الدكتور فيرنر بيرندت. هامبورغ ، ألمانيا وجون شتاينباخ من شيكاغو. توفي أحد أفراد الطاقم ، Desiderio Ferrari ، بعد بضع ساعات وأصيب أكثر من 50 شخصًا. من بين 1495 راكبًا على متن هذا المعبر الأدميرال إرنستو جيوراتي ، رئيس الخط الإيطالي والقائد السابق للبحرية الإيطالية ، ورئيس المراسم الإيطالي ، أنجيلو كورياس ، الذي كان متوجهاً لقضاء إجازة في الولايات المتحدة ، والروائي الألماني غونتر غراس ورفيقه. زوجة آنا ، وكذلك بوب مونتانا مع زوجته وأربعة أطفال. عند إجراء الإصلاحات بعد وقوع الحادث ، تم استبدال طلاء الألومنيوم في الهيكل العلوي بألواح فولاذية. تم تنفيذ إعادة بناء مماثلة على رافايللو وغيرها من السفن المعاصرة مثل SS الولايات المتحدة الأمريكية و SS فرنسا. [1]

في مايو 1972 ، قام ألفريد هيتشكوك برحلة على متن هذه السفينة من نيويورك لعرضه نوبة في مهرجان كان السينمائي.

خلال السنوات التالية ، انخفض عدد الركاب في التجارة عبر المحيط الأطلسي بشكل مطرد بسبب المنافسة الجوية ، وتم سحب المزيد والمزيد من السفن. ال مايكل أنجلو أمضت المزيد من الوقت في الإبحار إلى المياه الدافئة ، لكنها صنعت سفينة سياحية سيئة بكابيناتها الخالية من النوافذ وتصميمها المكون من ثلاث درجات. كان لديها أسطح ليدو كبيرة تفوق حتى معظم السفن السياحية المصممة لهذا الغرض في ذلك الوقت ، لكن هذا لم يكن كافيًا للتعويض عن أوجه القصور في السفينة ، ولم يكن لدى شركة Italian Line الأموال الكافية لإعادة بناء السفينة لجعلها أكثر قابلية للاستخدام طراد. بالإضافة إلى ذلك ، كانت تعتبر أكبر من أن تكون سفينة سياحية وفقًا لمعايير ذلك الوقت.

الرائد في إيطاليا SS مايكل أنجلو قامت بآخر عبور لها عبر المحيط الأطلسي في يوليو 1975 ، تحت قيادة الكابتن الكبير كلاوديو كوسوليتش. بعد ذلك تم وضعها في لا سبيتسيا مع أختها. قام العديد من المشترين (بما في ذلك Knut Kloster من Norwegian Cruise Line) بفحص السفن لكنهم لم يرغبوا في شرائها بسبب التكاليف المطلوبة لتحديثها لمعايير السفن السياحية. كان هناك مشتر واحد جاد ، وهو Home Lines ، الذي رغب في شراء السفن والاحتفاظ بها تحت العلم الإيطالي لإبحارها في منطقة البحر الكاريبي. رفضت شركة الخط الإيطالي بيع الأخوات ، على ما يقال لأنهم شعروا أن الاحتفاظ بالعلم الإيطالي كان من شأنه ربط "الخاسرين المحرجين بالمال" بهما.

في عام 1976 ، تم العثور على مشترٍ وافق على الشروط التي طلبتها شركة Italian Line. قام شاه إيران بشراء السفن لاستخدامها كثكنات عائمة. تباع الآن السفن التي كلفت كل منها 45 مليون دولار بسعر 2 مليون دولار لكل سفينة. ال مايكل أنجلو انتهى بها المطاف في بندر عباس حيث ستقضي الخمسة عشر عامًا التالية.

في عام 1978 تم وضع خطط لإعادة بنائها كسفينة سياحية فاخرة Scià Reza il Grande (تكريما لرضا شاه). ومع ذلك ، توصل فريق خبراء أرسل من إيطاليا لتفقد السفينة إلى استنتاج أنها كانت متدهورة للغاية بحيث لا تجعل إعادة البناء خيارًا قابلاً للتطبيق. تم وضع خطط مماثلة مرة أخرى في عام 1983 ، لكنها فشلت أيضًا.

أخيرًا ، في يونيو 1991 ، تم إلغاؤها في ساحة تكسير السفن في جاداني ، باكستان. [2]


مايكل أنجلو - السيرة الذاتية والإرث

ولد مايكل أنجلو ليوناردو دي بوناروتا وفرانشيسكا دي نيري ديل مينياتو دي سيينا ، عائلة من الطبقة المتوسطة من المصرفيين في قرية كابريزي الصغيرة ، بالقرب من أريتسو ، في توسكانا. أجبر مرض والدته المؤسف الذي طال أمده والده على وضع ابنه في رعاية مربية له. كان زوج المربية يعمل في مقلع الرخام الخاص بوالده.

عندما كان مايكل أنجلو يبلغ من العمر ست سنوات ، ماتت والدته ومع ذلك استمر في العيش مع الزوج ، وتعتقد الأسطورة أن هذا الموقف غير التقليدي منذ الطفولة سيضع الأساس لعلاقة حبه اللاحقة بالرخام.

بحلول الوقت الذي كان فيه يبلغ من العمر 13 عامًا ، كان من الواضح لوالده أن مايكل أنجلو ليس لديه القدرة على مهنة الأسرة. تم إرسال الصبي الصغير إلى المتدرب في الاستوديو الشهير دومينيكو غيرلاندايو. بعد عام واحد فقط في الاستوديو ، طلب لورنزو دي ميديشي من عائلة رعاية الفن الفلورنسي الشهيرة من غيرلاندايو اختيار اثنين من أفضل طلابه. تم اختيار مايكل أنجلو ، جنبًا إلى جنب مع فرانشيسكو جراناتشي ، لحضور الأكاديمية الإنسانية لعائلة ميديشي. لقد كان وقتًا مزدهرًا في عصر النهضة في فلورنسا عندما تم تشجيع الفنانين على دراسة العلوم الإنسانية ، وإبراز مساعيهم الإبداعية بمعرفة الفن والفلسفة اليونانية والرومانية القديمة. كان الفن يبتعد عن الأيقونات القوطية والعمل التعبدي ويتطور إلى احتفال كبير بالإنسان وأهميته في العالم. درس مايكل أنجلو على يد النحات الشهير بيرتولدو دي جيوفاني ، واكتسب التعرف على المنحوتات الكلاسيكية العظيمة في قصر لورنزو.

خلال هذا الوقت ، حصل مايكل أنجلو على إذن من كنيسة سانتو سبيريتو الكاثوليكية لدراسة الجثث في مستشفاهم حتى يكتسب فهمًا للتشريح. في المقابل ، نحت لهم صليبًا خشبيًا. نتجت قدرته على تقديم النغمة العضلية الواقعية للجسم بدقة عن هذا التعليم المبكر كما يتضح من تمثالين نجا من ذلك الوقت مادونا جالسة على درج (1491) و معركة القنطور (1492).

التدريب والعمل المبكر

بعد وفاة لورنزو دي ميديشي في عام 1492 ، ظل مايكل أنجلو يتمتع بأمن نسبي في فلورنسا. ولكن عندما تورطت المدينة الفلورنسية في الاضطرابات السياسية ، تم طرد عائلة ميديشي وانتقل الفنان إلى بولونيا. في بولونيا حصل على عمولة لإنهاء نحت قبر القديس دومينيك ، والتي تضمنت إضافة تمثال للقديس بترونيوس ، وهو ملاك راكع يحمل شمعدانًا ، والقديس بروكولوس.

عاد مايكل أنجلو إلى فلورنسا عام 1494 بعد أن خفت حدة تهديد الغزو الفرنسي. عمل على تمثالين ، القديس يوحنا المعمدان، وكوبيد صغير. ال كيوبيد تم بيعه إلى الكاردينال رياريو من سان جورجيو ، وتم اعتباره منحوتة عتيقة. على الرغم من انزعاجه من التعرض للخداع ، إلا أن الكاردينال أعجب بما يكفي من صنعة مايكل أنجلو لدعوته إلى روما لحضور لجنة أخرى. بالنسبة لهذه اللجنة ، أنشأ مايكل أنجلو تمثالًا لباخوس ، والذي رفضه الكاردينال الذي اعتقد أنه من غير الحكمة من الناحية السياسية أن يتم ربطه بشخصية عارية وثنية. Michelangelo was indignant - so much so that he later asked his biographer Condivi to deny the commission was from the Cardinal and instead to record it as a commission from his banker, Jacopo Galli. The artist's impetuous nature was already garnering him the reputation of being one who indignantly did what he wanted, oftentimes eschewing his patron's wishes or failing to complete work once started.

Michelangelo remained in Rome after completing the باخوس, and in 1497 the French Ambassador, Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas commissioned his Pietà for the chapel of the King of France in St Peter 's Basilica. ال Pietà was to become one of Michelangelo's most famous carvings, which the 16th-century biographer Giorgio Vasari, described as something "nature is scarcely able to create in the flesh." His acuity with emotional expression and lifelike realism in the piece, garnered the artist much awe and attention.

Although his status as one of the period's most talented artists following the completion of the Pietà was secure, Michelangelo didn't receive any major commissions over the next two years. Financially, however this absence of work wasn't of much concern. Wealth didn't seem to affect the artist's lifestyle. As he would say to Condivi towards the end of his life, "However rich I may have been, I have always lived like a poor man."

In 1497, the puritanical monk Girolamo Savonarola became famous for his Bonfire of the Vanities, an event in which he and his supporters burned art and books in Florence, causing a cease to what had been a thriving period of the Renaissance. Michelangelo would have to wait until Savonarola's ousting in 1498 before returning to his beloved Florence.

In 1501, his most notable achievement was born through a commission from the Guild of Wool to complete an unfinished project begun by Agostino di Duccio some 40 years earlier. This project, finally completed in 1504, was a majestic, 17-foot tall nude statue of the biblical hero David. The work was a testament to the artist's unparalleled excellence at carving breathtakingly precise depictions of real life out of inanimate marble.

Several painting commissions followed after David's completion. In particular, Michelangelo's only known finished painting that has survived, Doni Tondo (The Holy Family) (1504).

During this time of the High Renaissance in Florence, rivalries between Michelangelo and his artist peers abounded, each fighting for prime commissions and revered social status as noted masters of their fields.

Leonardo da Vinci had quickly risen to fame and the competition between he and Michelangelo was legendary. In 1503, Piero Soderini, the lifetime Gonfalonier of Justice (senior civil servant akin to a Mayor), commissioned them both to paint two opposing walls of the Salone dei Cinquecento in the Palazzo Vecchio. Both paintings were never finished and are unfortunately lost. ليوناردو The Battle of Anghiari was painted over when Vasari later reconstructed the Palazzo. Michelangelo's work on The Battle of Cascina was interrupted in the preparatory drawing stage when Pope Julius II summoned him to Rome. Michelangelo was seduced by the flamboyant reputation of the patron Pope who was luring other artist peers such as Donato Bramante and Raphael to create exciting new projects. Never one to be bested by his rivals, he accepted the invitation.

Mature Period

In Rome, Michelangelo started work on the Pope's tomb, work that was to be completed within a five-year timeline. Yet, the artist would abandon the project after being cajoled by the Pope for another commission. The project was the painting of the Sistine Chapel's ceiling and rumor has it that Bramante, the architect in charge of rebuilding St. Peter's Basilica, was the one to convince the Pope that Michelangelo was the man for the job. Bramante was notoriously consumed by envy, and knowing that Michelangelo was better known for his sculptures rather than paintings, was certain that his rival would fail. He hoped this would cause the artist to fall out of popular favor. Michelangelo reluctantly accepted the commission.

Michelangelo would work on the Sistine Chapel for the next four years. It was a difficult job of extraordinary endurance, especially since the tempestuous artist had sacked all of his assistants save one who helped him mix paint. What resulted was a monumental work of great genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World and Noah and the Flood. Contrary to Bramante's hopes, it became (and remains) one of the greatest masterpieces of Western Art.

Another noted rival was the young 26-year-old Raphael who had burst upon the scene and was chosen in 1508 to paint a fresco in Pope Julius II's private library, a commission vied for by both Michelangelo and Leonardo. When Leonardo's health began to fail, Raphael became Michelangelo's greatest artistic adversary. Because of Raphael's acuity with depicting anatomy and his finesse for painting nudes, Michelangelo would often accuse him of copying his own work. Although influenced by Michelangelo, Raphael resented Michelangelo's animosity toward him. He responded by painting the artist with his traditional sulking face in the guise of Heraclitus in his famous fresco The School of Athens (1509-1511).

Following Pope Julius II's death in 1513 Michelangelo was commissioned by the new Pope Leo X to work on the façade of the Basilica San Lorenzo, the largest church in Florence. He spent the next three years on it before the project was cancelled due to lack of funds. In 1520, he received another commission for a Medici chapel in the Basilica of San Lorenzo on which he worked intermittently for the next twenty years. During those two decades, he would also complete an architectural commission for the Laurentian Library.

After the sack of Rome by Charles V in 1527, Florence was declared a republic and stayed under siege until 1530. Having worked prior to the siege for the defense of Florence, Michelangelo feared for his life and fled back to Rome. Despite his support for the republic, he was welcomed by Pope Clement and given a new contract for the tomb of Pope Julius II. It was also during this time he was commissioned to paint the fresco of the Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel, a project that would take seven years.

Although a late bloomer relationship wise, at age 57, Michelangelo would establish the first of three notable friendships, sparking a prolific poetic output to add to his cadre of artistic talents. The first in 1532 was a 23-year-old Italian nobleman, Tommaso dei Cavalieri, who was not only the artist's young lover but remained a lifelong friend. The art historian, Howard Hibbard, quotes Michelangelo describing Tommaso as the "light of our century, paragon of all the world." The passionate affair provoked Michelangelo to produce a number of love poems so homoerotic in nature that his grandnephew, upon publishing the volume in 1623, changed the gender pronouns to disguise their homosexual context.

In 1536, Michelangelo found another lifelong object of affection, the widow, Vittoria Colonna, the Marquise of Pescara, who was also a poet. The majority of his prolific poetry is devoted to her, and his adoration continued until her death in 1547. He also gave her paintings and drawings, and one of the most beautiful to have survived is the black chalk drawing Pietà for Vittoria Colonna of 1546. She was the only woman who played a significant part in Michelangelo's life and their relationship is generally believed to have been platonic. During this period, he also worked on a number of architectural commissions including the Church of Santa Maria degli Angeli and the Sforza Chapel in the Basilica di Santa Maria Maggiore, as well as the Capitoline Hill. He also received commissions for two frescos in the Cappella Paolina the Conversion of St Paul, and the Crucifixion of St Peter.

In 1540, Michelangelo met Cecchino dei Bracci, son of a wealthy Florentine banker, at the Court of Pope Paul III, who was only 12 years old. The epitaphs Michelangelo wrote following Cecchino's death four years later reveal the extent of their relationship, suggesting they were lovers. In particular one, which includes the graphic allusion, "Do yet attest for him how gracious I was in bed. When he embraced, and in what the soul doth live."

Late Period

It was Pope Julius II who, in 1504, proposed demolishing the old St Peter's Basilica and replacing it with the "grandest building in Christendom." Although the design by Donato Bramante had been selected in 1505, and foundations lain the following year, not much progress had been made since. By the time Michelangelo reluctantly took over this project from his noted rival in 1546 he was in his seventies, stating, "I undertake this only for the love of God and in honor of the Apostle."

Michelangelo worked continuously throughout the rest of his life on the Basilica. His most important contribution to the project was his work upon the dome in the eastern end of the Basilica. He combined the design ideas of all the prior architects who had given input on the work, which imagined a large dome comparable to Brunelleschi's famous dome in Florence, and coalesced them with his own grand visions. Although the dome was not finished until after his death, the base on which the dome was to be placed was completed, which meant the design of the dome could not be altered significantly in its completion. Still the largest church in the world, it remains a testament to his genius and his devotion. He continued to sculpt but did so privately for personal pleasure rather than work. He completed a number of Pietàs بما في ذلك Disposition (which he attempted to destroy), as well as his last, the Rondanini Pietà, on which he worked until the last weeks before his death.

It's been said that it takes 10,000 hours of deliberate practice to become world class in any field. Michelangelo epitomized this ideal as he started his career as a mere boy and continued working until his death at 88 years old.

His great love Tommaso remained with him until the end when Michelangelo died at home in Rome following a short illness in 1564. Per his wishes, his body was taken back to Florence and interred at the Basilica di Santa Croce.

The Legacy of Michelangelo

Along with Leonardo da Vinci and Raphael, Michelangelo is regarded as one of the three giants of the Renaissance, and a major contributor to the Humanist movement. Humanity, in both its relationship to the divine and non-secular reality was central to his painting and sculpture. He was a master at depicting the body with such technical accuracy that marble was seemingly transformed into flesh and bone. His adeptness with human emotionality and expression inspired humility and veneration. The psychological insight and physical realism in his work had never been portrayed with such intensity before. له بيتا, ديفيد، و ال كنيسة سيستين have been maintained and preserved and continue to draw crowds of visitors from all over the world. His lifetime achievements give credence to the title commonly bestowed to him of Il Divino (The Divine).

Michelangelo's influence on other artists was profound and has continued from Raphael in his time to Rubens, through to Bernini, and the last great sculptor to follow his tradition of realism, Rodin.

His fame, established when he was in his early twenties, has continued to our time. As for his genius look to Galileo, who claimed he was born a day earlier, to coincide with the day Michelangelo died, alluding to the assertion that genius never dies.


How Did Michelangelo Change the World?

Michelangelo changed the world by helping people view art and artists differently. His art was remarkable because of this, the world began to recognize artists and their art as important additions to society.

Prior to Michelangelo, artists did not receive individual attention or notoriety for their work. They were seen as nothing more than journeymen.

Michelangelo changed the world's opinion of artists through his extraordinary works of art. With groundbreaking art, he created some of the most revered pieces known to man his attention to detail made these works remarkable. Michelangelo was best known as a sculptor, and his infamous David, with lifelike characteristics carved in marble, is still considered a masterpiece. Other notable sculptures include Pieta, Moses, and Madonna and Child.

Michelangelo was not just a sculptor he was an important painter and prolific architect as well. His paintings are considered some of the world's greatest showpieces. These paintings include the elaborate and detailed Sistine Chapel ceiling, which includes various painted elements to form a large scheme within the Chapel. As an architect, he designed the final plans for the St. Peter's Cathedral in the Vatican.

His work is considered the beginning of the High Renaissance, a period of time where the world came to recognize and appreciate the value of visual arts.


Accomplishments

  • His early studies of classical Greek and Roman sculpture, coupled with a study of cadavers, led Michelangelo to become an expert at anatomy. The musculature of his bodies is so authentically precise that they've been said to breathe upon sight.
  • Michelangelo's dexterity with carving an entire sculpture from a single block of marble remains unparalleled. He once said, "I saw the angel in the marble and carved until I set him free." He was known as one who could conjure real life from stone.
  • The artist's feisty and tempestuous personality is legendary. He often abandoned projects midway through or played out his pride or defiance of conventionality through controversial means such as painting his own face on figures in his work, the faces of his enemies in mocking fashion, or unabashedly portraying sacred characters in the nude.
  • Michelangelo's most seminal pieces: the massive painting of the biblical narratives in the Sistine Chapel, the 17-foot tall testament to male perfection David, and the heartbreakingly genuine Pietà are considered some of the world's most genius works of art, drawing large numbers of tourists to this day.

Madonna of Bruges

ال Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
فنانمايكل أنجلو
عام1501–1504
نوعرخام
أبعاد200 cm (79 in)
موقعOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
إحداثيات Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


The Creation of Adam, by Michelangelo

Of all the marvelous images that crowd the immense complex of the Sistine Ceiling, خلق آدم is undoubtedly the one which has most deeply impressed posterity. No wonder, for here we are given a single overwhelming vision of the sublimity of God and the potential nobility of man unprecedented and unrivaled in the entire history of visual art. No longer standing upon earth with closed eyes and mantle, the Lord floats through the heavens, His mantle widespread and bursting with angelic forms, and His calm gaze accompanying and reinforcing the movement of His mighty arm. He extends His forefinger, about to touch that of Adam, who reclines on the barren coast of earth, barely able as yet to lift his hand. The divine form is convex, explosive, paternal the human concave, receptive, and conspicuously impotent. The incipient, fecundating contact about to take place between the two index fingers has often been described as a spark or a current, a modern electrical metaphor doubtless foreign to the sixteenth century, but natural enough considering the river of life which seems about to flow into the waiting body.

Genesis tells how the Lord created Adam from the dust of the earth and breathed into his nostrils the breath of life. This story is never illustrated literally in Renaissance art. Usually, as in Jacopo della Quercia's beautiful relief on the facade of the church of San Petronio in Bologna, which must have impressed the young Michelangelo deeply, the Creator stands on earth and blesses the already formed body of Adam, read together with the ground, since his name in Hebrew means earth. Michelangelo's completely new image seems to symbolize a still further idea - the instillation of divine power in humanity, which took place at the Incarnation. Given Cardinal Vigerio's reiterated insistence on the doctrine of the two Adams, and the position of the scene immediately after the barrier to the sanctuary, at the spot where the Annunciation customarily appeared, and after Ezekiel with his vision of the Virgin Birth, this would seem natural enough. The scene recalls the famous verses from Isaiah, "Who hath believed our report ? and to whom is the arm of the Lord revealed ? For he shall grow up before him as a tender plant, and as a root out of a dry ground . . " invariably taken by theologians to foretell the Incarnation of Christ, shoot of Jesse's rod. Two striking visual elements make clear that this was one of the passages that actually recommended to Michelangelo by his probable adviser, Cardinal Vigerio. First, the mighty right arm of the Lord is revealed, naked as in no other of His appearances on the Sistine Ceiling, nor anywhere else, as far as I have been able to determine, in all of the Christian art prior to this time. (The left arm is clothed, at least to the elbow, by a white sleeve.) Second, directly under Adam, the arm of the veiled youth to the left above the Persian Sibyl projects into the scene - a matter that involved considerable advance planning - coming as close to touching Adam's thigh as the Creator does his finger. This hand holds a cornucopia bursting with Rovere leaves and acorns, appearing to grow from the dry ground, as full of potency as Adam ("ground") is empty of it. Such an image is characteristic not only of Michelangelo, who insofar as possible preferred to show male figures, including that of Christ, completely naked, but of the Roman High Renaissance and of Julius II himself, whose language as recorded by his astonished contemporaries overflows with boasts of his own physical strength and potency.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for ديفيد. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

ال Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

ديفيد

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical ضد stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of ديفيد now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of ديفيد was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of ديفيد by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's مادونا. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his ديفيد in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of لاكون وأبناؤه (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

خلق آدم

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

موسى

This grand epic sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of ديفيد reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

الدينونة الأخيرة

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ is John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pieta.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pieta, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietas and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pieta in which Christ appeared asleep, through to his إيداع, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


شاهد الفيديو: مايكل انجلو سقف كنيسة السستين مع فالس الربيع للموسيقار شوبان (أغسطس 2022).